The Boxer

Comentarios: Una de las mejores composiciones en el catálogo de Paul Simon. La letra ha sido interpretada como una reflexión sobre las luchas personales de Paul Simon. La figura del "boxeador" en la canción simboliza a alguien que enfrenta dificultades y desafíos, pero persiste a pesar de todo. En algunas entrevistas, Simon ha explicado que la canción no tiene una sola fuente de inspiración, sino que refleja una serie de experiencias y sentimientos, particularmente la sensación de ser golpeado por la vida. La figura del boxeador también representa a alguien que, aunque ha sido golpeado y derrotado en varios momentos, sigue en pie.

Canción de notable maestría y profundidad, cuyos primeros versos estaban escritos en primera persona, pero su verso final cambiaba radicalmente a la tercera persona para añadir un convincente toque de universalidad.

Los versos iniciales de “The Boxer” esbozan los antecedentes de Simon de una forma que cualquiera familiarizado con su historia puede comprender, desde Queens y el Brill Building hasta sus dias haciendo demos en los estudios, incluso, la estación de tren de Widnes. Pero no es necesario conocer la historia de Simon para apreciar su forma de contar historias. Sobre las letras, dice: “Leo mucho, me encuentro con algo y pienso: 'Esa es una buena frase”. Debería recordarla'. Algunas de las frases de 'The Boxer' vienen de la Biblia... las líneas 'el salario del trabajador' y 'buscar los barrios más pobres'. Podría haberlas leído en una biblia de una habitación de hotel”.

Al hablar de la canción a lo largo de los años, Simon ha luchado con su tema. “Mirando atrás, no recuerdo haber pasado por años de lucha”, dice. “Nunca fui pobre y tenía una familia que me quería. Pero tengo que decir que cantar 'su rabia y su vergüenza' todavía me hace sentir incómodo, así que algo de rabia y vergüenza debía de haber. Creo que algunos de los sentimientos de la canción empezaron cuando era niño; no se trataba de una herida traumática que pudiera señalar, pero había algo”. Ese “algo”, por supuesto, seguramente incluía los asuntos sobre su altura, su pelo, el fracaso y la humillación ocasional de los años de Jerry Landis, el ser desairado por la gente folk del Village y, más tarde, tener que luchar para ganarse el respeto de la comunidad del rock. La canción tuvo un efecto liberador en Simon.

Las sesiones fueron tan épicas para Simon que no le cuesta recordarlas con todo detalle cincuenta años después. “La grabación empezó en Nashville con Fred Carter y yo tocando la primera parte de guitarra”, dice. “La primera línea es un lick que escribió mientras su guitarra estaba en una afinación especial. Desde entonces, a los guitarristas se les retuercen los dedos intentando tocar esa parte, y no pueden porque no conocen la afinación. Tocamos los dos, sentados a un metro de distancia y completamente compenetrados. Lo hicimos una y otra vez hasta que conseguimos la toma que se escucha en el disco. Es en vivo en el disco; sin ediciones. Roy y Artie estaban en la sala de control, y estaban muy contentos con la forma en que las guitarras encajaban -Fred tocaba una Martin y yo una Guild- y con que nuestra parte de guitarra nos diera ese gran comienzo. Luego añadimos bajo y batería en Nueva York con Joe Osborn y Hal Blaine. La parte de batería que todo el mundo recuerda tuvo lugar cuando Roy metió el tambor de Hal en el hueco de un ascensor para asegurarse de que sonara explosiva”.

“Roy estuvo brillante”, dice Blaine. “No utilizaba ningún equipo electrónico para medir el sonido de un sitio a otro; simplemente caminaba dando palmas hasta que encontraba el sonido que quería. Estábamos en un estudio enorme, de dos pisos, y había una rampa a lo largo de una pared que llevaba a un hueco de ascensor que se utilizaba para meter y sacar el equipo de la sala. Preparé dos enormes tambores y me puse unos auriculares para poder oír cuando la música llegaba a la parte de 'Lie-la-lie', en la que golpeaba la batería tan fuerte como podía. Hubo una gran explosión en la sala, que es lo que se oye en el disco. Fue asombroso".

Después vinieron las voces, que también se grabaron en el estudio de Columbia, y las partes de viento, que se hicieron en una pequeña catedral de la Universidad de Columbia. “De nuevo, fue decisión de Roy”, dice Simon. “Quería conseguir el eco natural que se produce allí. Luego volvimos a los estudios de Columbia para grabar las cuerdas. Pero no sólo grabamos las cuerdas mientras los músicos tocaban junto con una pista de la canción; también hicimos que los músicos tocaran la misma parte sin escuchar lo que ya habíamos grabado, lo que se llama una 'pista salvaje'. Luego Roy puso trozos de la pista salvaje junto a la otra parte de cuerda durante el fade para crear ese final memorable”.

Para entonces, Simon, Garfunkel y Halee habían invertido casi cien horas en el tema, y aún no habían terminado. “Volvimos a Nashville para grabar una hermosa sección instrumental en la que se mezclaban una trompeta en Do Mayor y una guitarra Pedal Steel”, cuenta Simon. “Era una parte preciosa que escribió Artie, quizá la pieza de la que Artie está más orgulloso”.

Durante este intenso proceso, Halee se dio cuenta de que necesitaba algo más que la máquina de grabación estándar de ocho pistas, que se había empezado a utilizar recientemente, por lo que se cree que fue la primera persona a la que se le ocurrió la idea de conectar dos máquinas de ocho pistas para crear una de dieciséis. El objetivo era tener más opciones durante el proceso de mezcla.

La canción mejoraría aún más. Durante algunos conciertos a lo largo de los años, Simon cantó otra estrofa, una que no estaba en la versión grabada en Bridge over Troubled Water.

Esta estrofa, situado entre la 3ª y 4ª estrofa de la grabación original, fue interpretada por Simon & Garfunkel en la gira de noviembre de 1969 (está incluida en el álbum Live 1969), y a veces por Simon en solitario después de la ruptura del dúo (en su álbum Live Rhymin). El dúo también agregó la estrofa en Saturday Night Live en 1975 y cuando se reunieron para el concierto en Central Park de 1981.